Am 15. Dezember 2012 hätte Ray Bernice Alexandra Kaiser Eames ihren 100. Geburtstag gefeiert.

Geboren in Sacramento, Kalifornien, besuchte Ray Kaiser die May Friend Bennet School in Millbrook, bevor sie 1933 nach Manhattan zog, wo sie mit dem deutschen Abstraktionisten Hans Hofmann Malerei studierte; und sich schließlich in Mitten der aufkeimenden abstrakten Kunstszene New Yorks der späten 1930er Jahre wiederfand und bei der ersten Gruppenausstellung der American Abstract Artists 1937 ausgestellt wurde.

Im Sommer 1940 verbrachte Ray Kaiser vier Monate an der Cranbrook Academy of Art, wo sie nicht nur studierte, sondern auch Charles Eames und Eero Saarinen bei ihren Vorbereitungen für den “Organic Furniture Competition” des New York Museums of Modern Art assistierte.

1941 heiraten Charles Eames und Ray Kaiser.

Der Rest ist, wie man so schön sagt, Geschichte.

Die Kraft und visuelle Symbolik von Möbeldesignikonen wie dem Eames Lounge Chair oder der Aluminium Chair Group macht es alles andere als leicht sich Charles und Ray Eames als Individuen vorzustellen. Aber sie waren es.

Nach ihrer Hochzeit zogen Charles und Ray Eames nach Los Angeles, um die Forschung mit gebogenem Sperrholz fortzusetzen, die Charles in Cranbrook mit Eero Saarinen begonnen hatte. Als das Geld knapp wurde, arbeitet Charles als Freiberufler, vor allem in der Filmindustrie, während Ray weiter als Künstlerin/Grafikerin arbeitete und Cover für das Avantgarde Magazin California Arts and Architecture gestaltete. In dieser Zeit entwarf Ray Eames verschiedene Textildesigns, wie die Stoffe “Circles”, “Crosspatch” und die verschiedenen Variationen der “Dot Pattern” – alle werden mittlerweile wieder durch den New Yorker Textilhersteller Maharam hergestellt.Tatsächlich ist der Berg im Eames Archiv, der nur von Ray Eames produziert wurde, so groß, dass andere eine ganze Karriere lang damit beschäftigt wären. Für Ray Eames waren es auf jeden Fall nur die Anfänge.

Über die Jahre entwickelte sich die Beziehung der beiden so, dass die Grenzen immer mehr verschwammen und ab den 1950ern kamen alle Projekte offiziell von Charles und Ray. In einer ganz klassischen Aufgabenteilung nahm sich Charles den technischen Aspekten an, während sich Ray auf die Ästhetik konzentrierte.

Ein ausgesprochen gutes Beispiel ist das sogenannte “Eames House”, das das Paar 1949 als Teil des vom California Arts and Architecture gesponserten ”Case Study House Program” entwarf. Ray Eames war für das Interieur verantwortlich: eine sorgsam ausgewählte, schräge Zusammenstellung von Textilien, Ornamenten, Müll usw. Mittlerweile ist das Konzept als Teil der Eames “Collage” Philosophie anerkannt, damals wurde es jedoch stark kritisiert, weil es im krassen Gegensatz zu den Idealen der Moderne stünde, denen das Paar zu folgen vorgab und deren Einfluss man im Eames House erkennen kann. Mit 60 weiteren Jahren Vorsprung kann man nun Rays Intention verstehen, den Wohnraum von der klinischen Kontrolliertheit der Moderne zurückzuerobern. Gebäude von ihrem Inhalt trennen, Architektur von Design. Etwas, das letztlich den Weg für das pflasterte, was wir, oder zumindest Amerika, heute unter der Moderne der Jahrhundertmitte verstehen. Etwas, wofür wir dankbar sein können.

Und es ist schließlich Ray Eames, der wir für all die verspielten Objekte, die wir mit Charles und Ray Eames assoziieren, danken können. Einschließlich dem Eames House Bird - dem Original aus dem Eames House in Los Angeles.

(Ob wir Ray auch dafür danken müssen, dass sie Ronan und Erwan Bouroullec inspiriert hat, ihren L’Oiseau zu entwerfen, ist hingegen eine andere Frage, die an anderer Stelle noch diskutiert wird.)

Nach dem Tod von Charles Eames 1978 schloss Ray Eames unverzüglich das Eames Studio und kümmerte sich darum, die Arbeit und die Sammlung des Paares zu archivieren.

Ray Eames starb am 21. August 1988, zehn Jahre nach dem Todestag ihres Mannes.

Während natürlich alle Welt dankbar für die Objekte, Filme, Fotos usw. von Ray und Charles Eames ist, ist es ziemlich bedauerlich, dass der individuelle Erfolg der beiden so sehr von ihrem gemeinsamen verschleiert wird.

Und wir können uns keinen besseren Weg vorstellen Ray Eames’ Hundertjährigen zu feiern, als euch alle zu ermuntern die Arbeiten und Talente dieser bemerkenswerten Künstlerin und Designerin zu entdecken.

Ihr werdet nicht enttäuscht sein!

Alles Gute zum 100., Ray Eames. Hier mit ihrem Textilmuster: "Dots"

Das Cover der "California Arts and Architecture, April 1943" von Ray Eames: Beinhaltet den Start für "Designs for Postwar Living

(Beide Bilder stammen von “The Work of Charles and Ray Eames: A Legacy of Invention”. Library of Congress. http://www.loc.gov/exhibits/eames/bio.html Accessed 14.12.2012)

Design for Use, USA. Das Cover von Alexander Girards Katalog.

Vom 20. März bis 25. April 1951 fand in Stuttgart die erste Nachkriegsausstellung zum Thema moderne amerikanische Inneneinrichtung und Haushaltsgeräte statt.

Vom New York Museum of Modern Art organisiert, zeigte die Ausstellung mit dem Titel “Design for Use, USA” einen Querschnitt amerikanischen Gebrauchsdesigns – und somit ein Who is Who der amerikanischen Designer Mitte des 20. Jahrhunderts: Charles Eames. George Nakashima. Ray Eames. George Nelson. Eero Saarinen. Isamu Noguchi. Etc.

All das wird in einem von Alexander Girard geplanten Ausstellungskonzept und Katalog präsentiert.

Neben einer durchaus ansehnlichen Liste von Ausstellungsobjekten, war und ist die Ausstellung auch aus einer ganzen Reihe anderer Gründe interessant.

Zuallererst weil sie bereits zwei Jahre bevor Willi und Erika Fehlbaum ihren “folgenreichen” Ausflug nach New York unternahmen, stattfand – sie kamen damals mit den Grundsteinen für Vitra im Handgepäck zurück.

(Man stelle sich mal vor… wenn jemand in Stuttgart etwas mehr unternehmerisches Gespür gezeigt hätte…. Es gäbe kein Vitra.)

Zweitens brachte die Ausstellung die Designermöbelindustrie im Nachkriegseuropa in Gang.

Im Artikel “The “Advance” of American Postwar Design in Europe: MoMA and the Design for Use, USA Exhibition 1951–1953″¹ behauptet Gay Mcdonald, dass die Ausstellung nur stattfand, um Amerika im Rahmen des Marshall Plans in Europa populär zu machen und liest man die MoMa Pressemitteilung² von 1951, kann man das auch nur schwer leugnen.

Soweit wir das richtig interpretieren, exportieren die Amerikaner ihre Kultur ja auch schon seit jeher mit größter Leidenschaft in den Rest der Welt – sei es die Blue Jeans, Hamburger oder unterdrückende Sicherheitskonzepte im Namen der Freiheit…

Und natürlich haben sie auch ihre eigenen Sportarten entwickelt, anstatt einfach die von anderen Kulturen zu übernehmen.

Aber wir vertrauen auf die meisten Europäer und, ja, auch auf die meisten Amerikaner, dass sie intelligent genug sind, ihre eigenen Schlussfolgerungen und Meinungen zu bilden.

Unabhängig von den Motiven finden wir, dass die Ausstellung genau das Richtige zur richtigen Zeit war. Damals war Amerika nämlich, ungeachtet des Krieges, der Motor im weltweiten Produktdesign. Und das MoMa war zweifelsohne die Institution, die die größte Rolle dabei gespielt hat, amerikanische Designinnovationen in der Welt zu verbreiten.

1951 waren weite Teile Europas mit dem Wiederaufbau beschäftigt – schnelle und effiziente Lösungen im Möbel- und Produktdesign waren also äußerst gefragt.

Gay Mcdonald zitiert eine Quelle, die besagt, dass die Ausstellung von 60.000 Menschen besucht wurde. Das klingt vielleicht gar nicht so viel, aber man muss bedenken, dass es 1951 war. Damals gab es noch keine Billigflieger, die für 20 Euro nach Stuttgart fliegen. Und die “Designindustrie” war damals auch noch nicht so weit wie heute.

Und Vitra war zu der Zeit noch eine unwichtige, kleine Baseler Firma im Aufbau. – 60.000 Besucher waren für die Zeit einfach fantastisch.

Was leider nicht aufgezeichnet wurde, ist, wer alles kam und was sie mitgenommen haben.

Für so gut wie jede wichtige und einflussreiche Manchester Band der späten 1970er und frühen 1980er können die Ursprünge zurück zum Sex Pistol Konzert am 4. Juni 1976 in der Lesser Free Trade Hall geführt werden; und so können wir (Romantiker) uns sehr gut vorstellen, dass “Design for Use, USA” das europäische Möbeldesign der 50er und 60er Jahre genauso stark beeinflusst hat.

Ohne Aufzeichnungen kann man leider nur mutmaßen, wie die Langzeitfolgen für die Besucher der Ausstellung konkret aussahen.

Nach Stuttgart tourte die Ausstellung weiter durch Europa: nach London, Paris, Zürich und zur Mailänder Triennale. Die Tatsache, dass keiner die Chance ergriff und die Produktionslizenzen für Europa übernahm, lässt sich möglicherweise darauf zurückführen, dass alles noch zu neu war, zu anders.

Jedenfalls ist es naheliegend, dass mit der Ausstellung ein Prozess der Sensibilisierung losgetreten wurde, der letztlich auch den Weg für Vitra und den Erfolg mit dem Verkauf der Möbel von Eames, Nelson, Noguchi und all den anderen ebnete.

Ganz sicher aber liegt hier der Ausgangspunkt für Wilde + Spieths erfolgreiche Vermarktung von Egon Eiermanns Stühlen. Egon Eiermann begann mit seiner Teilnahme an der “Wie Wohnen?”-Ausstellung, 1949/50,  in Stuttgart und Karlsruhe öffentlich gegen Massenproduktion zu arbeiten. Viele seiner Designs stammen definitiv aus der Mitte der 1940er Jahre und Eieramann war dabei zweifelsfrei von dem, was er zu der Zeit aus und über Amerika las, beeinflusst.

Wir sagen nicht, dass er irgendetwas kopiert hat, aber Eiermann und Eames haben definitiv auf ähnlichen Feldern geforscht und expermentiert. Obgleich Eames ein wenig schneller und erfolgreicher war.

Damals hätte das freilich kaum jemand so betrachtet. 1951 haben sich gerade einmal 153 Stück von Eiermanns SE 3 (dem heutigen SE 42) verkauft; und das hauptsächlich an Architekten. In den folgenden Jahrzehnten stieg der Verkauf dann nicht nur dramatisch an, Eiermanns Stuhldesigns – mit ihren unleugbaren Bezügen zu Eames’ Entwürfen -  entwickelten sich außerdem bald zu europäischen Designklassikern.

Aber wieder können wir eigentlich nicht beweisen, dass Design for Use, USA etwas damit zu tun hatte.

Zusätzlich zur Wegbereitung für ein neues Verständnis von Inneneinrichtung, beeinflusste “Design for Use, USA” Europa hinsichtlich neuer Technologien und Geschäftsmodelle. Es wurden Möbel aus Plastik geformt und Designermöbelhersteller in der Tradition von Hermann Miller etablierten sich.

Wir haben zwar keine bestätigten Aussagen darüber, ob Arne Jacobsen bei der Ausstellung anwesend war;  aber man kann nicht leugnen, wie hingebungsvoll er sich den synthetischen Materialien, die zwischen 1950 und 1960 auf den Markt kamen, gewidmet hat.  Das hat er außerdem ganz meisterhaft mit der guten alten dänischen Handwerkstradition zusammengebracht. Das Ei und der Schwan sind wohl die besten Beispiele dafür.

Auch wenn unsere Argumentation etwas lückenhaft ist, kann man doch sicher davon ausgehen, dass die europäische Möbelindustrie ohne “Design for Use, USA” etwas länger gebraucht hätte, auf eigenen Füßen zu stehen – und das wahrscheinlich mit weniger interessanten Produkten.

1. Gay McDonald “The “Advance” of American Postwar Design in Europe: MoMA and the Design for Use, USA Exhibition 1951–1953″ Design Issues: Volume 24, Number 2 Spring 2008. Seiten 15-27

2. “MUSEUM’S “DESIGN FOR USE, U.S.A.” EXHIBITION SAILED FOR EUROPE JANUARY 5″ http://www.moma.org/docs/press_archives/1483/releases/MOMA_1951_0001_1951-01-04_510104-1.pdf

3. Arthur Mehlstäubler “Egon Eiermann – der deutsche Eames?” in Egon Eiermann (1904 – 1970)

Plywood Chair von Vitra

Ray und Charles Eames könnten gut als Multitalente beschrieben werden. Das amerikanische Designerpaar hat funktionale Möbel mit globalen Anklang entworfen, avantgardistische Filme gedreht, Kinderspielzeug gestaltet und waren für das Eames House und das Entenza House in Los Angeles verantwortlich.

Charles Eames (1907-1978) hat an der Washington University in St. Louis Architektur studiert, bevor er aufgrund eine Stipendiums und darauffolgende Position als Lehrer an der Cranbrook Academy of Art nach Michigan wechselte, wo er seine zukünftige Frau, die Malerin Ray Kaiser (1916-1988) traf. Zusammen mit Eero Saarinen, einem berühmten finnischen Architekten, der zuerst Charles’ Lehrer und später ein geschätzter Kollege war, hat Eames mit laminiertem Sperrholz experimentiert. Die Möbel, die daraus entstanden, haben den “Organic Design in Home Furnishings”-Wettbewerb des New York Museum of Modern Art gewonnen. Die Stühle in der Eames Sperrholz-Gruppe haben eine charakteristische Form, die sich am menschlichen Körper orientiert, so dass man sagenhaft bequem darauf sitzt.

Eames Lounge Chair White von Vitra

1941 haben Ray Kaiser und Charles Eames geheiratet und ein Designstudio gegründet. Während des zweiten Weltkriegs haben sie ihre Erfahrung mit Sperrholz dazu genutzt, Flugzeugteile, Tragen und Beinschienen für die US Army herzustellen. Außerdem haben sie begonnen, mit Fiberglas und Aluminiumguss zu experimentieren. Das bekannteste Ergebnis dieser Experimente war — und ist — der  “Lounge Chair” von 1956.

Der amerikanische Möbelhersteller und Pionier  Herman Miller bot Charles und Ray Eames seine Zusammenarbeit an. Zusammen mit Miller und dessen leitendem Designer George Nelson wurde nicht nur der Lounge Chair weiterentwickelt und perfektioniert, sondern es wurde auch eine ganze Reihe Eames-Kreationen entwickelt und produziert. Trotz des wachsenden kritischen und kommerziellen Erfolges ihrer Arbeit, haben Charles und Ray Eames nie ihren zentralen Fokus auf Qualität und Ästhetik in einem Produkt, das möglichst einfach gebaut werden kann, verloren. Die Kooperation mit Herman Miller hat die Eames-Werke über Millers Partner Vitra auch nach Europa gebracht. Vitra besitzt bis heute die exklusiven Rechte an allen Eames-Produkten in Europa und Asien.

Ray und Charles Eames (Photo: www.designmuseum.org)

Hier einige Stücke von Charles und Ray Eames von Vitra, die bei smow verfügbar sind:

- Plywood Group

- Plastic Group

- Fibreglass Group

- Aluminium Group

- Wire chair

- Produkte für Kinder

Wie viele von Euch wissen, lief der Bau des VitraHaus nicht ohne Kontroversen ab.

Besonders die Entscheidung, die Außenwände schwarz zu streichen, wurde nicht nur positiv aufgenommen.

Wir vom (smow)blog können exklusiv aufdecken, welche anderen Optionen in Betracht gezogen wurden.

Und hier sind die exklusiven Bilder der abgelehnten Farbentwürfe.

VitraHaus im Hella Jongerius Polder Sofa Look

Die in Berlin lebende holländische Designerin Hella Jongerius hat das Vitra Farbprojekt entwickelt, welches VitraHaus Besucher ermutigen soll fantasievoller und kreativer mit Farben umzugehen. Ein Farbentwurf des VitraHaus spielte mit Jongerius’ Polder Sofa Farbschema.

VitraHaus in der Alguen-Ausführung von Ronan und Erwan Bouroullec

Der Raumteiler Algue der bretonischen Brüder Ronan und Erwan Bouroullec war ebenfalls als mögliches Farbschema für die Außenwände des VitraHaus im Gespräch. Es wurde jedoch aufgrund der vielen im VitraHaus ausgestellten Bouroullec-Produkte abgelehnt.

VitraHaus à la Kast von Maarten van Severen

Der belgische Designer Maarten van Severen ist einer der Lieblinge von Vitra, und leider viel zu früh verstorben. Als Tribut an eine wahre Legende belgischen Designs wurde ein Farbkonzept in Anlehnung an Maarten van Severens Kast Staumöbel entwickelt.

VitraHaus im Verner Panton Panton Chair classic red

Die Zusammenarbeit zwischen Vitra und dem dänischen Designer Verner Panton schlug ein völlig neues Kapitel in der Vitra-Geschichte auf: eigens auf Auftrag entwickelte Produkte in Kollaboration mit den Designern. Zu Ehren des Lebens und Schaffens von Verner Panton wurde ein möglicher Anstrich der Außenwände des VitraHaus im Panton Chair classic red in Betracht gezogen.

VitraHaus als Hommage an Charles und Ray Eames

Keine zwei Menschen sind intimer mit Vitra verbunden als Charles und Ray Eames. Demnach war es keine Überraschung, dass ein Textildesignklassiker von Ray Eames – nämlich Small Dot Pattern – als Option für die VitraHaus-Außenwände diskutiert wurde.

Letzten Endes hat sich Schwarz als Außenfarbe des VitraHaus durchgesetzt… aber es hätte alles anders kommen können…

VitraHaus wie es hätte sein können: In der Millerstripe Multicolored Bright Ausführung von Alexander Girard

Zeeland, Michigan, 1969

The EA 107 aus der Charles und Ray Eames Aluminium Chair Kollektion bei Vitra

Vor zehn Jahren revolutionierten Charles und Ray Eames die Welt des Stuhl-Designs mit ihrer “Aluminium Chair” Kollektion. Und nun hoffen sie, es wieder tun zu können.

In einer der heiß ersehntesten Veröffentlichungen des Jahres, stellten Charles und Ray Eames vergangene Woche ihre neue Produkt-Kollektion vor: Soft Pad.

“Soft Pad ist die fortschrittlichste Technologie in einem magischen und revolutionärem Produkt”, erklärte ein stolzer Charles Eames als er die neue Kollektion vor geladenen Journalisten im Yerba Buena Center in Zeeland, Michigan, enthüllte.

Mit dem soft Pad halten Charles und Ray Eames an dem gewohnten Gestell der Aluminium Chairs fest, fügten aber eine Reihe an neuen Funktionen hinzu: individuell gepolsterte, 2 und 3/4 inch große Auflagen. Die Auflagen, so Eames, bilden einen Kontrast zu dem glatten Aluminium um einen weicheren, opulent wirkenden Stuhl zu schaffen, der trotzdem die Transparenz und Klarheit des Original Aluminium Stuhls beibehält.

Darüber hinaus hofft Eames auch, den Erfolg der über 140.000 “Apps” ausbauen zu können, die es für den Aluminium Chair gibt und die im sogenannten Aluminium Chair appsStore erhältlich sind, wie z.B. die beliebte Fuß-Stütze und Facebook Apps.

The EA 207 aus der neuen Charles und Ray Eames soft Pad Kollektion bei Vitra

Kritiker bemängeln das Fehlen von USB-Anschlüssen und den Fakt, dass das neue soft Pad kein Flash unterstützt. Charles und Ray Eames zeigen sich dennoch optimistisch und glauben, dass das neue soft Pad eine große Resonanz unter den Konsumenten finden wird, vielleicht sogar ein ein neuer Design Klassiker, der in Europa von Vitra produziert wird und im Internet erhältlich ist.

Alles fing mit “Boutique” Hotels an, die, wenn man ehrlich ist, einfach nur kleine Hotels sind. Oder Gästehäuser, wie wir sie in früheren Jahren nannten.

Dann tauchte langsam, sehr langsam, der Begriff “Design Hotel” auf. Und heute wird er nahezug überall benutzt. Egal, ob es sich um ein Hotel handelt, in dem jedes Zimmer seine eigene “Identität” hat oder ein Hotel, das mit Designer-Möbeln ausgestattet ist – “Design Hotels” repräsentieren einen erheblichen Teil des Unterbringungs-Repertoires und der Tourismus-Marketingkonzepte aller größeren Städte.

Wie so vieles im Leben ist dieses Konzept sehr weit von etwas Neuem entfernt.

Zimmer 606 des SAS Royal in Kopenhagen. Gestaltet von Arne Jacobsen

Eines der ersten Design Hotels war das SAS Royal in Kopenhagen. Seinen Status als Design Hotel verdankt es weniger dem Marketing, sondern mehr der Persönlichkeit des Architekten – Arne Jacobsen. Der Altmeister des dänischen Designs war überaus glücklich, als er die gesamte Kontrolle über ein Projekt bekam, was auch die Gestaltung des Interiors und der Möbel für sein Gebäude beinhaltete. So wie beim SAS Royal. Jacobsens berühmte “Egg and Swan” Stühle – heute allgegenwärtig in vielen Design-Hotels – wurden speziell für die Lobby des SAS Royal angefertigt. Sogar die Türgriffe in dem Hotel sind wahre Design-Klassiker.

In der Zeit der Fertigstellung, also in den 60er Jahren, war das Hotel das größte Gebäude Skandinaviens und setzte neue architektonische und ästhetische Standards. Und fast 50 Jahre später bewahrt sich das Hotel seinen Charme, seine Wichtigkeit und Vollkommenheit in der perfekten Mischung aus Gebäude und Funktion.

Nur wenige moderne “Design Hotels” kommen dem Vorbild von Jacobsens Meisterstück sehr nahe, weil einfach die Idee aus der falschen Richtung oder der falschen Intention entstand. Oder vielleicht auch einfach nur, weil sie dafür gemacht sind, Geld zu verdienen.

Ein modernes Hotel, das vergleichbar mit Jacobsens Vision ist, heißt Berge – eine Zuflucht für erschöpfte Seelen in Süddeutschland, das sehr im Charakter seines Designers Nils Holger Moormann gestaltet wurde.

Berge in Aschau im Chiemgau, Deutschland

Eigentlich ist es nur ein Haus mit Selbstversorger-Wohnungen am Fuße der Alpen. Aber es verkörpert die Moormann-Philosophie mit seinem simplen Luxus und der Freude bei kleinen Dingen und Situationen.

Im Gegensatz zu den meisten Hotels, prahlt Moormann lauthals damit, dass Berge kein WiFi hat, das die Betten schmal und der Handy-Empfang mies ist. Technische Nachteile in der modernen Massentourismus-Welt bekommen in der Welt von Nils Holger Moormann den Grund für einen Check-In.

Das Zimmer "Hohe Kammer" in Berge: ein Mix aus Moormann und Vitra DSR

Während in Kopenhagen alle Zimmer identisch und mit den Werken von Arne Jacobsen ausgestattet sind, hat jeder Raum in Aschau im Chiemgau seinen eigenen Stil und seine eigene Identität. Darüber hinaus reflektieren die Möbel eine vielseitige Vision, indem Produkte von Moormann mit anderen Design-Klassikern wie z.B. Vitra DSR von Charles und Ray Eames kombiniert werden. Eine mutige Entscheidung von einer Firma, die damit Geld macht, Designer-Möbel zu verkaufen. Und sicherlich eine Entscheidung, die Arne Jacobsen nicht gebilligt hätte.

Und weil das Projekt auf einem Prinzip und nicht nur auf reiner Profitgier basiert, wird auch hier die Balance zwischen Gebäude und Funktion genauso perfekt beibehalten wie beim SAS Royal.

Das Design-Hotel wird von Dauer sein und wird weiter reizen und auch zukünftig die Millionen von Billigflieger-Nutzern begeistern, die die Hotelräume jedes Wochenende füllen. Während die Arbeit von Arne Jacobsen ein Synonym für das Konzept von Design-Hotels geworden ist, wird Berge wohl immer ein Einzelgänger bleiben. Etwas, das ohne Zweifel Nils Holger Moormann genauso erfreuen wird wie es Arne Jacobsen erfreut hat.

In der Welt der Designermöbel gibt es nur ein paar Designer, für die “Heim” und “Familie” eine solch zentrale Rolle spielen wie bei Charles und Ray Eames.

Angefangen bei ihrem “Eames Haus” als kombinierter Wohn- und Arbeitsraum für eine junge Familie, über ihre zahlreichen Arbeiten mit und für Kinder, präsentierten Charles und Ray Eames sich schon immer eher als “familiäre” statt als “industrielle” Designer.

Und so ist es nicht verwunderlich, dass so viele ihrer Arbeiten so leicht als Weihnachtsgeschenkidee empfohlen werden können.

Eames DSR von Vitra

Eames DSR

Der DSR ist Teil der Fiberglas-Kollektion aus den 1950er Jahren von Charles und Ray Eames. Auch heute wird er noch von Vitra aus Polypropylen produziert, und zwar in dem selben Design, das damals schon in den Nachkriegsjahren Amerika betörte. Ob als Set um einen Tisch herum oder als Einzelstück im Bad/Schlafzimmer/Arbeitsplatz – Der Vitra DSR von Charles und Ray Eames ist immer ein willkommener Einrichtungsgegenstand für Heim und Büro.

Hang it All von Charles und Ray Eames durch Vitra

Hang it All

Damit erfreuen Sie garantiert Jung und Alt gleichermaßen. Mit seinen bunten Kugeln und unregelmäßigen Formen ist der Hang it All von Charles und Ray Eames ein wahrer Design-Klassiker der 1950er Jahre und diente seither vielen Designern als Inspiration.

Eames Elephant von Charles und Ray Eames für Vitra

Eames Elephant

Er ist vielleicht der eindeutige Beweis für die kindlich orientierte Arbeit von Charles und Ray Eames – der Eames Elephant. Ursprünglich aus Sperrholz gestaltet, wurde er zu Lebzeiten der Eames niemals zum Massenprodukt. Die Neuauflage vom Vitra Design Museum macht den Elephant erstmals zu einem Objekt, das für jeden erhältlich ist. Stabil, sicher und lustig – damit ist der Eames Elephant das perfekte Geschenk für alle Kinder.

Lounge Stuhl und Ottoman

Für diejenigen, die nach etwas ganz Besonderem suchen – für die ist die Suche mit dem Eames Lounge Chair zu Ende. Als wahrer Inbegriff der Design-Arbeit von Charles und Ray Eames und als einer der bekanntesten Nachkriegs-Designstücke Amerikas, ist der Eames Lounge Chair dazu geschaffen, den Sitzenden zu verschlucken und zu verhätscheln.  Und zusammen mit einem Ottoman ist das Erlebnis noch beeindruckender.

Eames Lounge Chair von Vitra

Heute ist World Usability Day, zu deutsch: Tag der Benutzerfreundlichkeit.

Wir geben zu, ein wenig skeptisch den Motivationen gegenüber zu stehen, die Leute dazu bewegen, solche Ereignisse wie “Welt Avocado Tag”, “Bulgarisch Aramäische Anerkennungswoche” oder tatsächlich den “World Usability Day”, zu etablieren. Aber wir können nicht umhin, den Grundgedanken hinter dieser Veranstaltung einfach zuzustimmen.
(Ohne die Charta an sich zu befürworten):

Menschliches Versagen ist eine Fehlbezeichnung. Technologie ist heutzutage so schwer zu bedienen. Ein Handy sollte genauso einfach zu bedienen sein wie ein Türgriff. Um die Welt menschlicher zu machen, die Technologie als Infrastruktur für Bildung, Gesundheitsfürsorge, Regierung, Kommunikation, Unterhaltung, Arbeit und andere Sachen nutzt, müssen wir Technologien entwickeln, die in erster Linie den Leuten dienen.

In Bezug auf Möbel Design könnten wir nicht deutlicher zustimmen. In der Tat haben wir uns schon oft an dieser Stelle für klar definiertes und durchdachtes Design ausgesprochen.

Die Arbeiten von Charles und Ray Eames, Jasper Morrison, Philippe Starck oder Ronan und Erwan Bouroullec beweisen eindrucksvoll, was mit einem Minimum an Trara und unnahbarer Raffinesse erreicht werden kann.

Unser Beitrag zum World Usability Day 2009 sind folgende 10 Design Prinzipien vom Altmeister des deutschen Industrie Designs Dieter Rams:

* gutes Design ist innovativ
* gutes Design macht Produkte nützlich
* gutes Design ist schön
* gutes Design erklärt das Produkt
* gutes Design ist unaufdringlich
* gutes Design ist ehrlich
* gutes Design ist zeitlos
* gutes Design ist bis ins Detail durchdacht
* gutes Design ist ökologisch
* gutes Design ist so wenig Design wie möglich

So einfach ist das.

Happy World Usability Day!

Am 03.11.1989 eröffnete das Vitra Design Museum.

Am 09.11.1989 fiel die Berliner Mauer.

Zufall? Nahezu sicher.

Aber während das Vitra Design Museum nicht die Verantwortung für das Ende der DDR trägt, kann es doch auf eine 20-jährige Geschichte zurückblicken und stolz behaupten, einen großen Beitrag zur Popularisierung von Designer Möbeln und Möbel Designern geleistet zu haben.

Zunächst als Ort errichtet, wo Vitra Vorsitzender Rolf Fehlbaum seine umfangreiche Sammlung zeitgenössischer Designer-Möbel-Artefakte zeigte, wuchs die Rolle des Museums bald.

Eine anfängliche Ausstellung der Werke von Ron Arad legte den Grundstein für weitere Ausstellungen, die sich entweder einem Designer wie z.B. Isamu Noguchi, Frank Lloyd Wright und Joe Colombo widmeten oder allgemeinere Themen wie Kindermöbel oder äronautische Designs zeigten. Die wachsende Popularität der Ausstellungen im Vitra Design Museum spiegelt sich auch in den Besucherzahlen wider. Während 1989 noch 23.000 Besucher gezählt wurden, waren es 2008 etwa 86.000.

Vitra Design Museum (mit Werbung für die aktuelle Ausstellung: ANTIBODIES Die Werke von Fernando & Humberto Campana 1989 - 2009)

Und nicht nur die Besucher in Weil am Rhein haben profitiert. Zahlreiche Ausstellungen haben über 350.000 Besucher weltweit verzaubert.

Über zwei Jahrzehnte hat sich auch der Bau des Vitra Design Museums gewandelt: vom Original Frank Gehry Gebäude zu einem wahrhaftigen Campus mit Produktionshallen und Konferenzräumen. Während die Möbel von den größten Designern stammen, steuerten Jasper Morrison, Jean Prouvé und Tadao Ando ihre Wünsche in Sachen Architektur bei.

Das Gehege der Eames Elephants beim Vitra Design Museum

Eine wichtige Finanzierungsquelle des Vitra Design Museums ist seine zahlreichen Re-Editions und Miniaturprodukte. Zusätzlich zu den 1:6 Miniaturen von klassischen Designer Stühlen beinhaltet die Kollektion Werke von Alexander Girard’s Wooden Dolls über Eames Elephants bis hin zu “neuen” Produkten wie die “classic Trays” oder George Nelsons Keramikuhren.

Am 8. November lädt Vitra alle zu einem Tag der offenen Tür in Weil am Rhein ein um gemeinsam den 20. Geburtstag des Design Museums zu feiern. Neben geführten Rundgängen durch die Ausstellung, die Kollektion und das Gebäude haben Sie die Möglichkeit Ihren ganz persönlichen Eames Elephant zu gestalten.

Also wir können diesen Ausflug nur empfehlen!

EA 107 von Charles und Ray Eames für Vitra

In den vergangenen Wochen fanden drei unabhängige Ereignisse statt, die zu einer bedeutsamen Geschichte verschmolzen.

Während des Besuches einer Studentenwohnung in Dresden fiel dem (smow)Boss ein offensichtlich lang genutzter, doch immernoch funktionaler Stuhl auf, der an den EA 107 von Charles und Ray Eames für Vitra erinnerte. Obwohl man annehmen konnte, dass es eine Kopie war (Studentenwohnung, Dresden, etc.), wusste sein professioneller Verstand es besser und untersuchte den Stuhl eingehend. Und siehe da! Es war ein original EA 107 von Charles und Ray Eames für Vitra.

Dieser glückliche Besitzer hat den Stuhl von seinem Großvater geerbt, ohne den wahren Wert trotz des stets geschätzten Sitzkomforts jemals zu wissen.

Mart Stam Kopien

Ein völlig anderer Schauplatz begrüßte uns am nächsten Morgen als wir durch ein bekanntes Leipziger Büroviertel liefen. Wir entdeckten zwei offensichtliche Kopien des S 33 von Mart Stam für Thonet in Müllcontainern.

So traurig…

Wir werden Ihnen den Anblick des rissigen und herabhängenden Kunstleders ersparen. Aber der erschütternde Punkt ist, dass eine Firma dachte, sie könnten ein paar Euro sparen indem sie billige Stühle online einkauften. Und nun haben sie gar keine Stühle mehr.

Und das Geld ist eh längst weg.

In der gleichen Woche gab das Oberlandesgericht Düsseldorf sein Urteil im Fall Thonet gegen einen italienischen Produzenten von Mart Stam Kopien bekannt. Der Produzent stellte den S 43 Cantilever Stuhl her. Wir berichteten.

S 43 von Mart Stam von Thonet - offiziell ein Kunstwerk

Das Gericht entschied, dass der S 43 als künstlerisches Werk immer noch geschützt sei und deswegen nur vom Lizenzinhaber, nämlich Thonet, produziert werden dürfe.

Neben der richterlichen Bestätigung, dass Mart Stams Arbeiten Kunst seien, sollte die Entscheidung der Richter auch weiterhin Konsumenten vor qualitativ schlechten Kopien schützen.

Für diejenigen, dessen entsorgte Stühle wir fanden, ist es zwar ein bisschen zu spät. Aber für jene, die beabsichtigen in Designer Möbel zu investieren, ist der Fall klar.

Mit einem original lizensierten Produkt – ja, man bezahlt ein wenig mehr Geld, aber mit dem zusätzlichen Geld kommt der Seelenfrieden. Und anstatt das gute Stück später in den Müllcontainer wandert, wird es wohl eher den Weg zur nächsten Generation finden. Oder vielleicht auch zur übernächsten.