Auch auf die Gefahr hin Möbelhistoriker zu verärgern, wollen wir an dieser Stelle mal festhalten, dass Holz wohl das Material ist, was schon am längsten zur Möbelproduktion dient. Es ist komplex und schwer zu bearbeiten. So ist das Biegen und Formen eines Stückes Holz ein Prozess, der seit jeher Architekten und Designer gleichermaßen fasziniert und zur Weißglut bringt.

Von Michael Thonets bahnbrechender Forschung im 19. Jahrhundert über die Fortschritte von Alvar Aalto, Marcel Breuer oder Charles Eames im 20. Jahrhundert bis hin zu Christian Kuhns und Serge Lunins Entwicklung des Dukta^* Verfahrens im 21. Jahrhundert, war der Wunsch Holz so leicht wie Metall oder Plastik zu formen, eine treibende Kraft in der Entwicklung des heute bekannten Designs und der Architektur.

Am Samstag, den 17. November, wird im Gewerbemuseum Winterthur die neue Ausstellung “Wood Loop – Auf Biegen und Brechen” eröffnet und wird einen Blick auf Holz im Möbeldesign im Laufe der Zeit, vor allem aber den Gebrauch von Bugholz in all seinen Facetten werfen. Der Ausstellungstitel verweist natürlich auf die bekannte Maxime von Michael Thonet “Biegen oder Brechen”.

Neben den in der Ausstellung gezeigten klassischen und zeitgenössischen Beispielen für Bugholzmöbel, verspricht “Wood Loop – Auf Biegen und Brechen” eine umfassende Erklärung des Dukta Verfahrens und seiner Entstehungsgeschichte, während für “Atelier Dukta” sieben Architekten und Designstudios jeweils ein Projekt für die Ausstellung entwickelt haben.

Wir haben die Ausstellung noch nicht gesehen und können daher natürlich keinen Kommentar dazu abgeben, wie gut sie ihre gesteckten Ziele erreicht oder wie tiefgreifend das Thema tatsächlich angegangen wird. Aber schon allein die Idee der Ausstellung finden wir absolut faszinierend und das Thema hat sicher das Zeug für eine erlebnisreiche Ausstellung.

Und allen, die es zur Eröffnung am Samstag schaffen, ist eine besondere Überraschung garantiert; unsere alten Kumpel vom Thonet Bugholzteam werden nämlich da sein, um live Michael Thonets revolutionäres Verfahren zu demonstrieren. Und keine Angst davor zu fragen, ob ihr auch mal probieren dürft. Normalerweise sagen sie Ja…

Wood Loop – Auf Biegen und Brechen ist im Gewerbemuseum Winterthur Kirchplatz 14, 8400 Winterthur, Schweiz vom 17. November 2012 bis 21. April 2013 zu sehen.

Neben der Ausstellung hat das Museum auch das unerlässliche Rahmenprogramm organisiert. Weitere Informationen gibt es unter http://gewerbemuseum.ch.

*Das Dukta Verfahren wurde von Christian Kuhn und Serge Lunin in einem gemeinsamen Projekt mit akademischen und industriellen Partnern entwickelt. Es beinhaltet das minimale Einschneiden von Holz, um die Flexibilität zu erhöhen.

Biegen oder Brechen. Michael Thonet der Vater aller Holzbieger.

Das von Michael Thonet entwickelte Verfahren wird heute noch praktiziert. (Hier im Thonet Werk in Frankenberg (Eder))

Gebogene Sperrholzmöbel von Marcel Breuer für Isokon, London (1936)

Design for Use, USA. Das Cover von Alexander Girards Katalog.

Vom 20. März bis 25. April 1951 fand in Stuttgart die erste Nachkriegsausstellung zum Thema moderne amerikanische Inneneinrichtung und Haushaltsgeräte statt.

Vom New York Museum of Modern Art organisiert, zeigte die Ausstellung mit dem Titel “Design for Use, USA” einen Querschnitt amerikanischen Gebrauchsdesigns – und somit ein Who is Who der amerikanischen Designer Mitte des 20. Jahrhunderts: Charles Eames. George Nakashima. Ray Eames. George Nelson. Eero Saarinen. Isamu Noguchi. Etc.

All das wird in einem von Alexander Girard geplanten Ausstellungskonzept und Katalog präsentiert.

Neben einer durchaus ansehnlichen Liste von Ausstellungsobjekten, war und ist die Ausstellung auch aus einer ganzen Reihe anderer Gründe interessant.

Zuallererst weil sie bereits zwei Jahre bevor Willi und Erika Fehlbaum ihren “folgenreichen” Ausflug nach New York unternahmen, stattfand – sie kamen damals mit den Grundsteinen für Vitra im Handgepäck zurück.

(Man stelle sich mal vor… wenn jemand in Stuttgart etwas mehr unternehmerisches Gespür gezeigt hätte…. Es gäbe kein Vitra.)

Zweitens brachte die Ausstellung die Designermöbelindustrie im Nachkriegseuropa in Gang.

Im Artikel “The “Advance” of American Postwar Design in Europe: MoMA and the Design for Use, USA Exhibition 1951–1953″¹ behauptet Gay Mcdonald, dass die Ausstellung nur stattfand, um Amerika im Rahmen des Marshall Plans in Europa populär zu machen und liest man die MoMa Pressemitteilung² von 1951, kann man das auch nur schwer leugnen.

Soweit wir das richtig interpretieren, exportieren die Amerikaner ihre Kultur ja auch schon seit jeher mit größter Leidenschaft in den Rest der Welt – sei es die Blue Jeans, Hamburger oder unterdrückende Sicherheitskonzepte im Namen der Freiheit…

Und natürlich haben sie auch ihre eigenen Sportarten entwickelt, anstatt einfach die von anderen Kulturen zu übernehmen.

Aber wir vertrauen auf die meisten Europäer und, ja, auch auf die meisten Amerikaner, dass sie intelligent genug sind, ihre eigenen Schlussfolgerungen und Meinungen zu bilden.

Unabhängig von den Motiven finden wir, dass die Ausstellung genau das Richtige zur richtigen Zeit war. Damals war Amerika nämlich, ungeachtet des Krieges, der Motor im weltweiten Produktdesign. Und das MoMa war zweifelsohne die Institution, die die größte Rolle dabei gespielt hat, amerikanische Designinnovationen in der Welt zu verbreiten.

1951 waren weite Teile Europas mit dem Wiederaufbau beschäftigt – schnelle und effiziente Lösungen im Möbel- und Produktdesign waren also äußerst gefragt.

Gay Mcdonald zitiert eine Quelle, die besagt, dass die Ausstellung von 60.000 Menschen besucht wurde. Das klingt vielleicht gar nicht so viel, aber man muss bedenken, dass es 1951 war. Damals gab es noch keine Billigflieger, die für 20 Euro nach Stuttgart fliegen. Und die “Designindustrie” war damals auch noch nicht so weit wie heute.

Und Vitra war zu der Zeit noch eine unwichtige, kleine Baseler Firma im Aufbau. – 60.000 Besucher waren für die Zeit einfach fantastisch.

Was leider nicht aufgezeichnet wurde, ist, wer alles kam und was sie mitgenommen haben.

Für so gut wie jede wichtige und einflussreiche Manchester Band der späten 1970er und frühen 1980er können die Ursprünge zurück zum Sex Pistol Konzert am 4. Juni 1976 in der Lesser Free Trade Hall geführt werden; und so können wir (Romantiker) uns sehr gut vorstellen, dass “Design for Use, USA” das europäische Möbeldesign der 50er und 60er Jahre genauso stark beeinflusst hat.

Ohne Aufzeichnungen kann man leider nur mutmaßen, wie die Langzeitfolgen für die Besucher der Ausstellung konkret aussahen.

Nach Stuttgart tourte die Ausstellung weiter durch Europa: nach London, Paris, Zürich und zur Mailänder Triennale. Die Tatsache, dass keiner die Chance ergriff und die Produktionslizenzen für Europa übernahm, lässt sich möglicherweise darauf zurückführen, dass alles noch zu neu war, zu anders.

Jedenfalls ist es naheliegend, dass mit der Ausstellung ein Prozess der Sensibilisierung losgetreten wurde, der letztlich auch den Weg für Vitra und den Erfolg mit dem Verkauf der Möbel von Eames, Nelson, Noguchi und all den anderen ebnete.

Ganz sicher aber liegt hier der Ausgangspunkt für Wilde + Spieths erfolgreiche Vermarktung von Egon Eiermanns Stühlen. Egon Eiermann begann mit seiner Teilnahme an der “Wie Wohnen?”-Ausstellung, 1949/50,  in Stuttgart und Karlsruhe öffentlich gegen Massenproduktion zu arbeiten. Viele seiner Designs stammen definitiv aus der Mitte der 1940er Jahre und Eieramann war dabei zweifelsfrei von dem, was er zu der Zeit aus und über Amerika las, beeinflusst.

Wir sagen nicht, dass er irgendetwas kopiert hat, aber Eiermann und Eames haben definitiv auf ähnlichen Feldern geforscht und expermentiert. Obgleich Eames ein wenig schneller und erfolgreicher war.

Damals hätte das freilich kaum jemand so betrachtet. 1951 haben sich gerade einmal 153 Stück von Eiermanns SE 3 (dem heutigen SE 42) verkauft; und das hauptsächlich an Architekten. In den folgenden Jahrzehnten stieg der Verkauf dann nicht nur dramatisch an, Eiermanns Stuhldesigns – mit ihren unleugbaren Bezügen zu Eames’ Entwürfen -  entwickelten sich außerdem bald zu europäischen Designklassikern.

Aber wieder können wir eigentlich nicht beweisen, dass Design for Use, USA etwas damit zu tun hatte.

Zusätzlich zur Wegbereitung für ein neues Verständnis von Inneneinrichtung, beeinflusste “Design for Use, USA” Europa hinsichtlich neuer Technologien und Geschäftsmodelle. Es wurden Möbel aus Plastik geformt und Designermöbelhersteller in der Tradition von Hermann Miller etablierten sich.

Wir haben zwar keine bestätigten Aussagen darüber, ob Arne Jacobsen bei der Ausstellung anwesend war;  aber man kann nicht leugnen, wie hingebungsvoll er sich den synthetischen Materialien, die zwischen 1950 und 1960 auf den Markt kamen, gewidmet hat.  Das hat er außerdem ganz meisterhaft mit der guten alten dänischen Handwerkstradition zusammengebracht. Das Ei und der Schwan sind wohl die besten Beispiele dafür.

Auch wenn unsere Argumentation etwas lückenhaft ist, kann man doch sicher davon ausgehen, dass die europäische Möbelindustrie ohne “Design for Use, USA” etwas länger gebraucht hätte, auf eigenen Füßen zu stehen – und das wahrscheinlich mit weniger interessanten Produkten.

1. Gay McDonald “The “Advance” of American Postwar Design in Europe: MoMA and the Design for Use, USA Exhibition 1951–1953″ Design Issues: Volume 24, Number 2 Spring 2008. Seiten 15-27

2. “MUSEUM’S “DESIGN FOR USE, U.S.A.” EXHIBITION SAILED FOR EUROPE JANUARY 5″ http://www.moma.org/docs/press_archives/1483/releases/MOMA_1951_0001_1951-01-04_510104-1.pdf

3. Arthur Mehlstäubler “Egon Eiermann – der deutsche Eames?” in Egon Eiermann (1904 – 1970)

Nachdem wir bereits der Bauhaus Universität Weimar, Fachhochschule Potsdam, Kunsthochschule Berlin-Weißensee und der Universität der Künste Berlin einen Besuch abgestattet hatten, führte uns die letzte Etappe unserer Sommertour 2011 zur Burg Giebichenstein Halle.

Vielleicht ist das unsere Meinung, aber wir glauben wirklich, dass die Studenten der Burg Giebichenstein mehr und auch vielfältigere Seminare absolvieren als die Studenten aller anderen Unis die wir besichtigt haben – zumindest im Hinblick auf ihre Jahresendpräsentationen.

Ob es nun Plattenhüllendesigns sind oder Stücke die sich an Obst und Gemüse orientieren oder eine Lampe, die Isamu Noguchi entworfen hätte, wenn er noch leben würde – jeder Raum jedes Gebäudes scheint mindestens eine Ausstellung zu beherbergen. Oder zwei.

Unsere Aufmerksamkeit haben vor allem “Eine Bank für zwei” und “Bodenreform” auf sich gezogen.

Bei “Eine Bank für zwei” waren die Studenten aufgefordert, eine Bank für zwei prominente “Kreative”, also Designer, Architekten, Musiker, Schauspieler o.ä. zu entwerfen. Die Banken sollten sowohl den Charakter ihrer Nutzer als auch ihre Beziehung zueinander in der Formensprache und im Material widerspiegeln.

Ein schönes kleines Projekt also, bei dem die Studenten entdecken konnten, wie sie die Arbeit und das Wesen der Menschen verstehen, die sie als Referenz genommen haben, und dadurch auch ihre eigenen Techniken verbessern können.

Und wir durften die Ergebnisse bewundern!

Neben tollen Bänken für Gerrit Rietveld und Charles Eames oder Konstantin Grcic und Dieter Rams war unser Highlight Elias Betkas Bank für Charles und Ray Eames: ein Zweisitzer-RAR. Die Idee hat uns von den Socken gehauen und uns ins Grübeln gebracht: Inwieweit könnte – oder würde – Vitra jemals die Arbeiten von Ray und Charles Eames weiterentwickeln?

Elias Betkas Bank für Charles und Ray Eames, Burg Giebichenstein Halle 2011

Bei “Bodenreform” ging es offiziell um Böden, Bodenbeläge und ihre Rolle in Architektur und Design, aber das Projekt, das uns am besten gefallen hat, hat nicht wirklich in die Aufgabenstellung gepasst. (Soweit wir das beurteilen können.) Das konnte aber der Genialität von Hobo von Julian Heckel keinen Abbruch tun.

Hobo erinnert an eine viktorianische Staffeleiadaption für wandernde Dichter. Der kleine Tisch kann – flach zusammen gefaltet – auf den Rücken geschnallt und – auseinander geklappt – gegen einen Baum o.ä. gelehnt werden. Dazu gehört auch ein kleiner Sitz, der gefällt uns nicht so. Aber der Tisch ist fantastisch.

Außerdem hat uns Ausgewachsen von Annika Marie Buchberger gefallen – mit einer kleinen Einschränkung. Die Masterarbeit umfasst eine Serie von Kindermöbeln, bei denen verschiedene Elemente mit einem universellen Gestell kombiniert werden können. Gute Idee, schön ausgeführt. Allerdings gibt es das Gestell in drei Größen, wobei die Beine nicht ausgetauscht werden können. D.h. die Höhe der Objekte kann nicht variiert werden, es sei denn man hat alle drei Gestelle/Größen. Austauschbare Beine wären vielleicht sinnvoller gewesen. Ist nur unsere Meinung und wir hatten trotzdem große Freude an dem Projekt.

Igi von Constanze Hosp, Burg Giebichenstein Halle 2011

Ein anderes Kinderprojekt – und davon gab es viele (Ist Halle eine besonders kinderreiche Stadt oder sind die Studenten der Burg Giebischenstein nur besonders fruchtbar?) – war Igi von Constanze Hosp.

Eltern die mit einem kleinen Baby Fahrrad fahren wollen, müssen normalerweise auf einen Anhänger oder (riskant!) den normalen Babycarrier zurückgreifen.

Igi ist ein Babycarrier mit Hartschale, sodass das Kind beim Radfahren sicher am Körper liegt. Und nicht nur beim Radfahren, auch in überfüllten öffentlichen Verkehrsmitteln kann Igi jungen Eltern etwas mehr Sicherheit und Vertrauen geben.

Es gab also viele Highlights auf der Burg Giebichenstein, aber eine Sache hat uns irritiert: Wo war die Ausstellung der Produktdesignabsolventen? Gut, wir hatten sie schon auf dem DMY gesehen, aber wir hatten uns doch darauf gefreut, ein paar der Produkte in Halle etwas näher unter die Lupe nehmen zu können. Aber weit und breit war nichts von den Absolventen zu sehen und keiner konnte uns sagen, wo sie sind. Schade!

Trotzdem war die Giebichenstein-Jahresausstellung 2011 ein mehr als würdiger Abschluss unserer Sommertour und hat uns gut auf unseren Herbstmarathon vorbereitet.

Wie immer gibt es eine kleine Bildergalerie auf Facebook: facebook.com/smowcom

Und kann jemand diesen Stuhl identifizieren ⇓ ?

Ein unidentifizierter Stuhl - sieht man öfter auf dem Campus der Burg Giebichenstein Halle

Plywood Chair von Vitra

Ray und Charles Eames könnten gut als Multitalente beschrieben werden. Das amerikanische Designerpaar hat funktionale Möbel mit globalen Anklang entworfen, avantgardistische Filme gedreht, Kinderspielzeug gestaltet und waren für das Eames House und das Entenza House in Los Angeles verantwortlich.

Charles Eames (1907-1978) hat an der Washington University in St. Louis Architektur studiert, bevor er aufgrund eine Stipendiums und darauffolgende Position als Lehrer an der Cranbrook Academy of Art nach Michigan wechselte, wo er seine zukünftige Frau, die Malerin Ray Kaiser (1916-1988) traf. Zusammen mit Eero Saarinen, einem berühmten finnischen Architekten, der zuerst Charles’ Lehrer und später ein geschätzter Kollege war, hat Eames mit laminiertem Sperrholz experimentiert. Die Möbel, die daraus entstanden, haben den “Organic Design in Home Furnishings”-Wettbewerb des New York Museum of Modern Art gewonnen. Die Stühle in der Eames Sperrholz-Gruppe haben eine charakteristische Form, die sich am menschlichen Körper orientiert, so dass man sagenhaft bequem darauf sitzt.

Eames Lounge Chair White von Vitra

1941 haben Ray Kaiser und Charles Eames geheiratet und ein Designstudio gegründet. Während des zweiten Weltkriegs haben sie ihre Erfahrung mit Sperrholz dazu genutzt, Flugzeugteile, Tragen und Beinschienen für die US Army herzustellen. Außerdem haben sie begonnen, mit Fiberglas und Aluminiumguss zu experimentieren. Das bekannteste Ergebnis dieser Experimente war — und ist — der  “Lounge Chair” von 1956.

Der amerikanische Möbelhersteller und Pionier  Herman Miller bot Charles und Ray Eames seine Zusammenarbeit an. Zusammen mit Miller und dessen leitendem Designer George Nelson wurde nicht nur der Lounge Chair weiterentwickelt und perfektioniert, sondern es wurde auch eine ganze Reihe Eames-Kreationen entwickelt und produziert. Trotz des wachsenden kritischen und kommerziellen Erfolges ihrer Arbeit, haben Charles und Ray Eames nie ihren zentralen Fokus auf Qualität und Ästhetik in einem Produkt, das möglichst einfach gebaut werden kann, verloren. Die Kooperation mit Herman Miller hat die Eames-Werke über Millers Partner Vitra auch nach Europa gebracht. Vitra besitzt bis heute die exklusiven Rechte an allen Eames-Produkten in Europa und Asien.

Ray und Charles Eames (Photo: www.designmuseum.org)

Hier einige Stücke von Charles und Ray Eames von Vitra, die bei smow verfügbar sind:

- Plywood Group

- Plastic Group

- Fibreglass Group

- Aluminium Group

- Wire chair

- Produkte für Kinder

Eero Saarinen, 1910 - 1961

Am 20. August jährt sich zum 100. Mal der Geburtstag des finnischen Architekten und Designers Eero Saarinen.

Eero Saarinen hatte wahrscheinlich keine große Alternative bei der Auswahl seines Berufes. Sein Vater Eliel Saarinen war ein gefeierter Architekt in Finnland, zwei Onkel waren ebenfalls Architekten, und seine Mutter Loja Gesellius Saarinen war Bildhauerin und Textildesignerin.

Eero Saarinen verbrachte die ersten 13 Jahre seines Lebens in seinem Geburtsort Kirkkonummi, außerhalb von Helsinki. 1923 emigrierte die Familie nach positivem Feedback auf Eliel Saarinens eingereichten Beitrag für die Chicago Tribune Tower Competitionin in die USA. Ursprünglich ging es nach Evanston, Illinois, aber 1925 wurde Eliel Saarinen von G.G. Booth mit dem Bau der neuen Cranbrook Academy of Art in Bloomfield Hills, Michigan beauftragt.

Der Campus der Cranbrook Academy, entworfen von Eliel Saarinen

Ein Auftrag der später noch großen Einfluss auf Eero Saarinens Karriere nehmen sollte.

1930 reiste Eero nach Paris, wo er ein Jahr Bildhauerei an der Académie de la Grande Chaumière studierte, bevor er sich an der Yale School of Architecture einschrieb. 1935 machte er dort seinen Abschluss und reiste anschließend ein Jahr lang durch Europa und Nordafrika. Nach seiner Rückkehr nach Amerika arbeitete Eero Saarinen im Büro seines Vaters in Cranbrook. Dort lernte er auch Charles Eames kennen. Die jungen Eames studierten beide am College und waren in Eliel Saarinens Büro angestellt.

Dieses Treffen sollte der Beginn einer lebenslangen beruflichen und persönlichen Beziehung werden; Saarinen nannte seinen ersten Sohn in zweiter Ehe sogar “Eames”.

Charles Eames und Eero Saarinen in der Cranbrook Academy (photo © Cranbrook Archives)

Die beruflichen Entwicklungen von Charles Eames und Eero Saarinen waren eng miteinander verknüpft und beide begannen tatsächlich mit gemeinsamen Projekten: dem Wettbewerb “Organic Design in Home Furnishings” im Jahre 1940 und dem “Case Study House #9″ für das Arts & Architecture Magazine von 1945 bis 1949.

Als Antwort auf die zunehmende Gelangweiltheit der Amerikaner von den minimalistischen Stahl-/Leder-/Glasobjekten der Bauhaus-Schule, organisierte das Museum of Modern Art in New York 1940 den Wettbewerb “Organic Design in Home Furnishings” um die besten neuen Möbeldesignkonzepte in den USA zu finden. Laut Wettbewerbsregeln sollten die Designs funktionell und bezahlbar sein und auf neuen, modernen Produktionsprozessen beruhen.

Eames und Saarinen reichten acht Entwürfe ein die hauptsächlich auf ihren früheren Experimenten mit geformten synthetischen Möbeln basierten – u.a. den Conversation Chair, heute bekannter unter dem Namen Organic Chair.

Die Jury, der Lichtgestalten wie Marcel Breuer und Alvar Aalto angehörten, vergab den ersten Platz an Charles Eames und Eero Saarinen.

Der Organic Chair von Charles Eames und Eero Saarinen (Vitra)

Obwohl der Preis dem Paar viel Anerkenung einbrachte, war die Massenproduktion der Eames-Saarinen Designs in den frühen 1940er Jahren noch unmöglich. Die Technologie war einfach noch nicht weit genug um die Stühle zu produzieren bzw. die Maschinen, die die Stühle produzieren könnten. Der Ansatz, der hier zum Tragen kam, sollte jedoch in der Arbeit beider Designer später eine wichtige Rolle spielen. Charles Eames nutzte ihn für seine Fiberglas/Plastic Chair Serie, während Saarinen ihn in seinen Arbeiten für Knoll International anwendete: z.B. den Womb Chair und den Tulip Chair – seine beiden wohl wichtigsten Designs.

Auch ihre Laufbahn als Architekten begannen Eames und Saarinen mit einem gemeinsamen Projekt. Der Herausgeber der amerikanischen Zeitschrift Arts & Architecture, John Entenza, rief im Januar 1945 in einem Leitartikel dazu auf, mehr Massenproduktionstechnologie im Hausbau anzuwenden. In den darauf folgenden Jahren wurde eine Reihe namhafter Architekten beauftragt, ihre Visonen des industriell massengefertigten Hauses der Zukunft zu entwerfen und zu bauen.

1949 wurde das “Case Study House #9″ von Charles Eames und Eero Saarinen fertiggestellt. Es zeigt die typisch quadratischen Formen der frühen Arbeiten von Eames und Saarinen. Die Ausstattung und Einrichtung illustriert den Glauben der beiden an die Einheit von Architektur und Design und die Beziehung zwischen einem Haus, seinem Inhalt und seinem Nutzer/Bewohner.

Neben dem “Case Study House #9″ befindet sich “Case Study House #8″ – das sogenannte “Eames House”, welches offiziell Charles und Ray Eames zugeschrieben wird. Aber auch hier ist der Einfluss von Eero Saarinen unverkennbar.

Die Teilnahme an einem solch prestigeträchtigen Projekt brachte den beiden – noch relativ jungen – Architekten Saarinen und Eames ein größeres Publikum für ihre Arbeiten und letztendlich auch das Ansehen.

1946 führte eine weitere “Cranbrook Connection” von Eero Saarinen zu seiner Zusammenarbeit mit Knoll International.

Der Tulpenstuhl (Tulip Chair) von Eero Saarinen für Knoll International

In Cranbrook hatte Saarinen Florence Schust kennengelernt. 1944 heiratete Florence den jungen deutschen Möbelhersteller Hans G. Knoll und wurde die Innendesignerin bei Knoll International. Sie war es, die Saarinen ansprach, sein Form-Stuhl-Konzept für die Firma zu entwickeln.

Alles in allem entwickelte Saarinen über ein Dutzend Produkte für Knoll International. Viele von ihnen wurden seit ihrer Markteinführung kontinuierlich produziert.

Trotz der Bedeutung seiner Arbeiten war Möbeldesign für Eero Saarinen immer ein Seitenprojekt neben seiner Karriere als Architekt. Als “Hauptbeschäftigung” entwarf er unter anderem das Jefferson National Expansion Memorial in St Louis, den TWA Terminal auf dem JFK Flughafen New York und den Dulles International Airport, Washington. Dennoch sah Saarinen die Arbeit als Designer nie  als wertloser an, im Gegenteil: Ihn faszinierte die Idee, dass jeder Teil einer Arbeit die anderen Teile widerspiegeln und ergänzen könne und dass das Äußere und das Innere als ein Ganzes vereint sein könnten. In diesem Sinne können Saarinens Möbelentwürfe als direkte Ergänzung seiner Architektur gesehen werden – und seine Architektur ebenso als Ergänzung seiner Möbeldesigns.

Am 1. September 1961 starb Eero Saarinen an den Folgen einer Hirntumor-Operation.

Obwohl er in jungen Jahren gestorben ist, hat Eero Saarinen im Laufe seiner 25jährigen Karriere die moderne Architektur und modernes Möbeldesign geprägt. Seine Arbeiten haben dazu beigetragen die Architekturtheorie neu zu definieren und die Zukunft auszumalen. Seine Entwürfe legten die Grundlage für die moderne Designmöbelindustrie.

Designe immer in Anbetracht des nächstgrößeren Kontexts -  ein Stuhl in einem Raum, ein Raum in einem Haus, ein Haus in einer Umgebung, eine Umgebung in einer Stadt.

Eero Saarinen, 1910 – 1961

Organic Chair von Charles Eames und Eero Saarinen für Vitra

Es ist vielleicht nicht das bekannteste Werk, weder von Charles Eames‘ noch von Eero Saarinen, nichtsdestotrotz ist der “Conversation Chair” von 1940 ohne Zweifel ein wichtiges Stück des Möbeldesigns aus dem 20ten Jahrhundert.

Der Stuhl wurde für den “Organic Design in Home Furnishing” Wettbewerb des New York Museum of Modern Art designt. Er war eine Studie und einer der ersten Versuche mit formbarem Kunststoff von Eames und Saarinen.

Zu dieser Zeit war die Technologie aber einfach noch nicht ausgereift und die Ideen von Charles Eames und Eero Saarinen konnten erst zehn Jahre später umgesetzt werden: Charles Eames mit den Glasfaser/Kunststoff-Sesseln für Herman Miller und Eero Saarinen mit demTulpen Stuhl für Knoll.

Tulpen Stuhl von Eero Saarinen für Knoll

Der Vollständigkeit halber sollten wir auch noch George Nelson‘s Swag Leg Chair erwähnen. Das Design und die Technologie basiert stark auf der des Conversation Chair.

Zurzeit wird der Stuhl von Vitra als “Organic Chair” verkauft. Der Stuhl von Eames und Saarinen bleibt ein selbstbewusster Klassiker, der in alle privaten und geschäftlichen Räume passt.

Und Sie können einen gewinnen.

Das Designer Möbel Verkäufer Netzwerk “Creative Inneneinrichter” – zu welchem (smow) gehört – stellt einen “Organic Chair” als Hauptpreis ihres “Mein Weg ins VitraHaus” Wettbewerbs zur Verfügung.

Der zweite Preis ist ein Vegetal von Ronan and Erwan Bouroullec und der dritte Preis ist ein Panton Chair.

Die Regeln sind denkbar einfach: Dokumentieren Sie ihre Reise zum VitraHaus; der einfallsreichste, originellste und kreativste Beitrag gewinnt.

Also egal ob Sie mit einem Fallschirm auf dem VitraHaus landen wollen, oder die Alpen im Hannibalstyle auf Elefanten überqueren wollen, registrieren Sie sich einfach auf der Creative Inneneinrichter Website und laden Sie ihre Fotos/Videos/Zertifikate hoch.

Details finden Sie unter “Mein Weg ins VitraHaus”

Auch wenn Jasper Morrison eine Bushaltestelle neben dem VitraHaus gebaut hat, eine Busreise wird wohl nicht für den ersten Platz reichen.

Zeeland, Michigan, 1969

The EA 107 aus der Charles und Ray Eames Aluminium Chair Kollektion bei Vitra

Vor zehn Jahren revolutionierten Charles und Ray Eames die Welt des Stuhl-Designs mit ihrer “Aluminium Chair” Kollektion. Und nun hoffen sie, es wieder tun zu können.

In einer der heiß ersehntesten Veröffentlichungen des Jahres, stellten Charles und Ray Eames vergangene Woche ihre neue Produkt-Kollektion vor: Soft Pad.

“Soft Pad ist die fortschrittlichste Technologie in einem magischen und revolutionärem Produkt”, erklärte ein stolzer Charles Eames als er die neue Kollektion vor geladenen Journalisten im Yerba Buena Center in Zeeland, Michigan, enthüllte.

Mit dem soft Pad halten Charles und Ray Eames an dem gewohnten Gestell der Aluminium Chairs fest, fügten aber eine Reihe an neuen Funktionen hinzu: individuell gepolsterte, 2 und 3/4 inch große Auflagen. Die Auflagen, so Eames, bilden einen Kontrast zu dem glatten Aluminium um einen weicheren, opulent wirkenden Stuhl zu schaffen, der trotzdem die Transparenz und Klarheit des Original Aluminium Stuhls beibehält.

Darüber hinaus hofft Eames auch, den Erfolg der über 140.000 “Apps” ausbauen zu können, die es für den Aluminium Chair gibt und die im sogenannten Aluminium Chair appsStore erhältlich sind, wie z.B. die beliebte Fuß-Stütze und Facebook Apps.

The EA 207 aus der neuen Charles und Ray Eames soft Pad Kollektion bei Vitra

Kritiker bemängeln das Fehlen von USB-Anschlüssen und den Fakt, dass das neue soft Pad kein Flash unterstützt. Charles und Ray Eames zeigen sich dennoch optimistisch und glauben, dass das neue soft Pad eine große Resonanz unter den Konsumenten finden wird, vielleicht sogar ein ein neuer Design Klassiker, der in Europa von Vitra produziert wird und im Internet erhältlich ist.

Alles fing mit “Boutique” Hotels an, die, wenn man ehrlich ist, einfach nur kleine Hotels sind. Oder Gästehäuser, wie wir sie in früheren Jahren nannten.

Dann tauchte langsam, sehr langsam, der Begriff “Design Hotel” auf. Und heute wird er nahezug überall benutzt. Egal, ob es sich um ein Hotel handelt, in dem jedes Zimmer seine eigene “Identität” hat oder ein Hotel, das mit Designer-Möbeln ausgestattet ist – “Design Hotels” repräsentieren einen erheblichen Teil des Unterbringungs-Repertoires und der Tourismus-Marketingkonzepte aller größeren Städte.

Wie so vieles im Leben ist dieses Konzept sehr weit von etwas Neuem entfernt.

Zimmer 606 des SAS Royal in Kopenhagen. Gestaltet von Arne Jacobsen

Eines der ersten Design Hotels war das SAS Royal in Kopenhagen. Seinen Status als Design Hotel verdankt es weniger dem Marketing, sondern mehr der Persönlichkeit des Architekten – Arne Jacobsen. Der Altmeister des dänischen Designs war überaus glücklich, als er die gesamte Kontrolle über ein Projekt bekam, was auch die Gestaltung des Interiors und der Möbel für sein Gebäude beinhaltete. So wie beim SAS Royal. Jacobsens berühmte “Egg and Swan” Stühle – heute allgegenwärtig in vielen Design-Hotels – wurden speziell für die Lobby des SAS Royal angefertigt. Sogar die Türgriffe in dem Hotel sind wahre Design-Klassiker.

In der Zeit der Fertigstellung, also in den 60er Jahren, war das Hotel das größte Gebäude Skandinaviens und setzte neue architektonische und ästhetische Standards. Und fast 50 Jahre später bewahrt sich das Hotel seinen Charme, seine Wichtigkeit und Vollkommenheit in der perfekten Mischung aus Gebäude und Funktion.

Nur wenige moderne “Design Hotels” kommen dem Vorbild von Jacobsens Meisterstück sehr nahe, weil einfach die Idee aus der falschen Richtung oder der falschen Intention entstand. Oder vielleicht auch einfach nur, weil sie dafür gemacht sind, Geld zu verdienen.

Ein modernes Hotel, das vergleichbar mit Jacobsens Vision ist, heißt Berge – eine Zuflucht für erschöpfte Seelen in Süddeutschland, das sehr im Charakter seines Designers Nils Holger Moormann gestaltet wurde.

Berge in Aschau im Chiemgau, Deutschland

Eigentlich ist es nur ein Haus mit Selbstversorger-Wohnungen am Fuße der Alpen. Aber es verkörpert die Moormann-Philosophie mit seinem simplen Luxus und der Freude bei kleinen Dingen und Situationen.

Im Gegensatz zu den meisten Hotels, prahlt Moormann lauthals damit, dass Berge kein WiFi hat, das die Betten schmal und der Handy-Empfang mies ist. Technische Nachteile in der modernen Massentourismus-Welt bekommen in der Welt von Nils Holger Moormann den Grund für einen Check-In.

Das Zimmer "Hohe Kammer" in Berge: ein Mix aus Moormann und Vitra DSR

Während in Kopenhagen alle Zimmer identisch und mit den Werken von Arne Jacobsen ausgestattet sind, hat jeder Raum in Aschau im Chiemgau seinen eigenen Stil und seine eigene Identität. Darüber hinaus reflektieren die Möbel eine vielseitige Vision, indem Produkte von Moormann mit anderen Design-Klassikern wie z.B. Vitra DSR von Charles und Ray Eames kombiniert werden. Eine mutige Entscheidung von einer Firma, die damit Geld macht, Designer-Möbel zu verkaufen. Und sicherlich eine Entscheidung, die Arne Jacobsen nicht gebilligt hätte.

Und weil das Projekt auf einem Prinzip und nicht nur auf reiner Profitgier basiert, wird auch hier die Balance zwischen Gebäude und Funktion genauso perfekt beibehalten wie beim SAS Royal.

Das Design-Hotel wird von Dauer sein und wird weiter reizen und auch zukünftig die Millionen von Billigflieger-Nutzern begeistern, die die Hotelräume jedes Wochenende füllen. Während die Arbeit von Arne Jacobsen ein Synonym für das Konzept von Design-Hotels geworden ist, wird Berge wohl immer ein Einzelgänger bleiben. Etwas, das ohne Zweifel Nils Holger Moormann genauso erfreuen wird wie es Arne Jacobsen erfreut hat.

In der Welt der Designermöbel gibt es nur ein paar Designer, für die “Heim” und “Familie” eine solch zentrale Rolle spielen wie bei Charles und Ray Eames.

Angefangen bei ihrem “Eames Haus” als kombinierter Wohn- und Arbeitsraum für eine junge Familie, über ihre zahlreichen Arbeiten mit und für Kinder, präsentierten Charles und Ray Eames sich schon immer eher als “familiäre” statt als “industrielle” Designer.

Und so ist es nicht verwunderlich, dass so viele ihrer Arbeiten so leicht als Weihnachtsgeschenkidee empfohlen werden können.

Eames DSR von Vitra

Eames DSR

Der DSR ist Teil der Fiberglas-Kollektion aus den 1950er Jahren von Charles und Ray Eames. Auch heute wird er noch von Vitra aus Polypropylen produziert, und zwar in dem selben Design, das damals schon in den Nachkriegsjahren Amerika betörte. Ob als Set um einen Tisch herum oder als Einzelstück im Bad/Schlafzimmer/Arbeitsplatz – Der Vitra DSR von Charles und Ray Eames ist immer ein willkommener Einrichtungsgegenstand für Heim und Büro.

Hang it All von Charles und Ray Eames durch Vitra

Hang it All

Damit erfreuen Sie garantiert Jung und Alt gleichermaßen. Mit seinen bunten Kugeln und unregelmäßigen Formen ist der Hang it All von Charles und Ray Eames ein wahrer Design-Klassiker der 1950er Jahre und diente seither vielen Designern als Inspiration.

Eames Elephant von Charles und Ray Eames für Vitra

Eames Elephant

Er ist vielleicht der eindeutige Beweis für die kindlich orientierte Arbeit von Charles und Ray Eames – der Eames Elephant. Ursprünglich aus Sperrholz gestaltet, wurde er zu Lebzeiten der Eames niemals zum Massenprodukt. Die Neuauflage vom Vitra Design Museum macht den Elephant erstmals zu einem Objekt, das für jeden erhältlich ist. Stabil, sicher und lustig – damit ist der Eames Elephant das perfekte Geschenk für alle Kinder.

Lounge Stuhl und Ottoman

Für diejenigen, die nach etwas ganz Besonderem suchen – für die ist die Suche mit dem Eames Lounge Chair zu Ende. Als wahrer Inbegriff der Design-Arbeit von Charles und Ray Eames und als einer der bekanntesten Nachkriegs-Designstücke Amerikas, ist der Eames Lounge Chair dazu geschaffen, den Sitzenden zu verschlucken und zu verhätscheln.  Und zusammen mit einem Ottoman ist das Erlebnis noch beeindruckender.

Eames Lounge Chair von Vitra

Heute ist World Usability Day, zu deutsch: Tag der Benutzerfreundlichkeit.

Wir geben zu, ein wenig skeptisch den Motivationen gegenüber zu stehen, die Leute dazu bewegen, solche Ereignisse wie “Welt Avocado Tag”, “Bulgarisch Aramäische Anerkennungswoche” oder tatsächlich den “World Usability Day”, zu etablieren. Aber wir können nicht umhin, den Grundgedanken hinter dieser Veranstaltung einfach zuzustimmen.
(Ohne die Charta an sich zu befürworten):

Menschliches Versagen ist eine Fehlbezeichnung. Technologie ist heutzutage so schwer zu bedienen. Ein Handy sollte genauso einfach zu bedienen sein wie ein Türgriff. Um die Welt menschlicher zu machen, die Technologie als Infrastruktur für Bildung, Gesundheitsfürsorge, Regierung, Kommunikation, Unterhaltung, Arbeit und andere Sachen nutzt, müssen wir Technologien entwickeln, die in erster Linie den Leuten dienen.

In Bezug auf Möbel Design könnten wir nicht deutlicher zustimmen. In der Tat haben wir uns schon oft an dieser Stelle für klar definiertes und durchdachtes Design ausgesprochen.

Die Arbeiten von Charles und Ray Eames, Jasper Morrison, Philippe Starck oder Ronan und Erwan Bouroullec beweisen eindrucksvoll, was mit einem Minimum an Trara und unnahbarer Raffinesse erreicht werden kann.

Unser Beitrag zum World Usability Day 2009 sind folgende 10 Design Prinzipien vom Altmeister des deutschen Industrie Designs Dieter Rams:

* gutes Design ist innovativ
* gutes Design macht Produkte nützlich
* gutes Design ist schön
* gutes Design erklärt das Produkt
* gutes Design ist unaufdringlich
* gutes Design ist ehrlich
* gutes Design ist zeitlos
* gutes Design ist bis ins Detail durchdacht
* gutes Design ist ökologisch
* gutes Design ist so wenig Design wie möglich

So einfach ist das.

Happy World Usability Day!